De trompeteo

Esto es un fragmento perteneciente a la composición musical "El concierto de Aranjuez", escrita primeramente para guitarra y orquesta, pero después difundida a toda clase de instrumentos musicales. Dicha composición fue escrita por el compositor español, Joaquín Rodrigo, y ha sido la obra más conocida e interpretada del autor.
Escrita a principios de 1939 en París, se compone de tres movimientos: "Allegro con spirito, Adagio y Allegro gentile". Esta composición fue escrita para reflejar los jardines del Palacio Real de Aranjuez. La obra intenta transportar al oyente a los sonidos de la naturaleza de otro lugar y otro tiempo. En este caso, yo he tocado este fragmento con un instrumento musical de viento-metal, denominado "Trompeta".
Formo parte de una banda de música que hay en mi pueblo, llamada "Agrupación musical Nuestra Señora de los Baños", donde yo toco la trompeta desde muy pequeño.



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Borja Gil Trenado
4º ESO del IESO Peña Escrita de Fuencaliente (Ciudad Real)
@borjatrenado

Flauteando

Sinceramente cuando me plantearon grabar el sonido se me vinieron varios sonidos a la mente que serían quizá interesantes. Primero pensé en grabar a una amiga riéndose, ya que su risa es demasiado graciosa y contagiosa. Más tarde decidí grabar un xilófono, siempre ha sido un sonido que me ha resultado curioso, pero no encontré a nadie que tuviera un xilófono. Me planteé grabar el sonido de otro instrumento, pensé en la flauta, aunque no me llamaba tanto la atención como el xilófono. 

Pensé en buscar cualquier partitura en internet y tocarla, pero luego me acordé de un par de canciones que tocaba en 2º de E.S.O. Las ensayé un par de veces y las grabé. Una de ellas creo que se llama “El bueno, el feo y el malo”, que creo que sale en las películas de pistoleros, la otra la desconozco, pero me acordaba de la letra. 

El caso es que me gustaría decir el nombre de la canción que toqué, he buscado en internet y demás y me ha sido imposible. Quizá me acuerdo perfectamente de estas dos letras, porque las ensayé demasiado para poder aprobar la asignatura, ya que no se me daba muy bien y me ponía muy nerviosa en el examen. De hecho estas dos canciones fueron unas de las cuántas que tuvimos que tocar toda nuestra clase delante del instituto, aunque era poca gente ... pero me puse demasiado nerviosa de tener que hacerlo delante del público. 

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Isabel Gómez Gines
4º ESO IESO Peña Escrita
@isabel05147820

Guitarra, la mejor compañía.

La guitarra no es solo un instrumento, es también una amiga. Porque puedes expresarte a través de su música. Cuando estás triste, puedes cogerla y desahogarte; cuando estas feliz, puedes mostrarlo a todo el mundo... Es tan perfecta que cada vez que la cojo en mis manos y la toco, cada cuerda, cada acorde, cada nota... siento el infinito y puedo expresarme, sin necesitar palabras. 
Así que, si te sientes solo o tienes sentimientos fuertes, cógela, porque no te va a criticar jamás. Te comprenderá siempre hagas lo que hagas, no dirá tus secretos más profundos (esas canciones que te avergüenzan), no te dejará sola, ni se irá jamás de tu lado. 

Aitana Contreras

2º ESO

Colegio Helios

Concierto Barroco con Vivaldi

Concierto es un término que nace en el siglo XVII y designa a toda obra que une voces instrumentales de diferente timbre. El nombre italiano "concerto" significa lucha y también acuerdo, y no hay otro que defina mejor lo que sucede en un concierto barroco, ya sea grosso (concertino contra tutti) o a solo (solista contra tutti). Y no hay mejor ejemplo de concierto barroco que los de Vivaldi.
Antonio Lucio Vivaldi nació el 4 marzo de 1678 en Venecia y murió el 28 Julio de 1741 en Viena. Llegó a componer 500 conciertos de uno y de otro tipo.
En esta interpretación del concierto en sol mayor de Vivaldi a cargo de la orquesta de cuerdas del conservatorio de Ponferrada dirigida por Daniel Bombin podemos apreciar en toda su amplitud el significado del termino concierto: lucha y acuerdo



Jairo González González, 1º Bach HCS

El violonchelo: la Tarantela

El violonchelo representa el bajo de la familia del violín, apareció poco después que éste, alrededor de 1560. En efecto, los bajos de la viola da braccio, construidos por los Amati, Gasparo da Saló y Maggini en las últimas décadas del siglo XVII son verdaderos violonchelos, cuya forma, derivada del violín, los distingue de los bajos de las otras familias de instrumentos de arco. La primera música dedicada específicamente al violonchelo solista fue escrita en Italia alrededor de 1689 . Hay que llegar hasta Beethoven para que este instrumento sea apreciado en su justo mérito en la orquesta. El Cello es en esencia un violín bajo que se toca manteniéndolo de pie.

La tarantela es un tipo de danza que proviene de el sur de Italia. La leyenda dice que esta danza se bailaba en Sicilia para evitar la picadura de la tarántula, muy común en la región mediterránea. Esta tarantela de Squire fue compuesta para tocarla con violonchelo y piano, y fue interpretada por el profesor de piano Luis Aracama (padre) al piano y su hijo Luis Aracama al chelo durante el concierto que dieron en nuestro instituto para celebrar el día de la paz, con el Ensemble Fa en cuarta, dirigido por Laura del Campo

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Zaira Fuentes Ajenjo, 1º bachillerato HCS

Opening de Juego de Tronos

Este opening de Juego de Tronos se caracteriza por su potente melodía y por su tremendo final. Fue compuesto por Ramin Djawadi, un compositor alemán de la escuela del gran Hans Zimmer y sus composiciones aparecen en las cuatro temporadas de la serie Juego de Tronos.
El opening muestra las diferentes localizaciones de cada castillo que aparece en la serie, como si fuera una maquinaria, ya que poco a poco los castillos emergen del suelo al ser movidos por unos engranajes.

Los instrumentos que componen este opening son de cuerda, aunque también se aprecia algún que otro instrumento de percusión. Ademas posee diversos tempos ya que comienza lentamente, poco a poco aumenta el ritmo a medida que pasan los minutos y al final acaba de nuevo lentamente hasta desaparecer.
El compositor Ramin Djawadi es bastante conocido por su trabajo en Iron Man y ha conseguido plasmar los momentos épicos y las escenas emotivas de el maravilloso mundo de Juego de Tronos en su banda sonora.
Además la serie ganó un Emmy a la mejor escena de los créditos iniciales por su increíble banda sonora.

Hace poco fue interpretada en nuestro instituto por el Ensemble de violonchelos "Fa en cuarta" formado por alumnos del Conservatorio de Ponferrada, y aunque no sonó igual que la original, hizo a los alumnos y a los profesores aplaudir a rabiar.

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David Puerto Blanco 1º Bach H.C.S
Twitter: @davidpuertoblan

La gaita gallega

El instrumento que en esta obra adquiere más importancia para nuestros oídos es la "gaita". Algunos historiadores creen que su nombre procede del gótico "gaits", que significa "cabra". Este nombre es apropiado puesto que el fuelle donde se almacena el aire estaba hecho de piel de cabra cuando este instrumento adquirió la máxima importancia en Europa, en la Edad Media. Este instrumento era muy popular ya que se incluía en todos los ámbitos sociales, es decir, en fiestas, celebraciones, misas, funerales, desfiles, etc..., Por ejemplo se dice que Roberto Bruce, el rey de Escocia, en 1314 partió a la batalla de Bannockburn acompañado de un grupo de gaiteiros. 

Actualmente, la gaita se encuentra distribuida por numerosos lugares como; Hungría, Italia, Alemania, Suecia, Suiza, Irán, Pakistán, India, Aragón, Galicia, Asturias, León, Cantabria, Escocia, Irlanda ,Gran Bretaña, etc...

Este instrumento también conocido con el nombre de "cornamusa" pertenece al grupo de los instrumentos de viento y como veis en la fotografía consta de diferentes partes, que son desmontables. 

----> Se cree que la gaita deriva de un instrumento llamado "chirimía". Esto se cree porque la parte de la gaita a la que llamamos puntero es igual a la chirimía, pero no se sabe cuando han aparecido las partes restantes de la gaita.
Existen dos tipos de gaitas: las que tienen el puntero cónico y caña doble (que producen un sonido más pontente y estable), y las que tienen el puntero cilíndrico y caña simple (que producen un sonido menos potente y más dulce.

La obra que se interpreta en esta grabación se conoce con el nombre de "Pasodoble de San Roque". La interpretan un grupo de gaitas, un grupo de pandereteiras y voz, un tamboril  y un bombo, y por supuesto que no falte un buen público para aplaudir. Los intérpretes son alumnos de la escuela "Centro de enseñanza musical del Bierzo" en Ponferrada. Está grabado en la Escuela oficial de idiomas, en el concierto de navidad del 17 de Diciembre de 2013.

Ver El sonido que habito "Esto es...algo mas que unos gaiteiros, pandereteiras y bombo" Es algo que en vivo resulta conjuntamente perfecto. en un mapa más grande
Angela Digón Reguera, 1º Bach. CIT
Twitter: @angedigon

La flauta travesera en el Barroco.

La era Barroca marcó el retorno de la popular Flauta Traversa. Su construcción fue hecha en un tubo cónico que contenía seis agujeros abiertos  agrupados en dos secciones y una llave cerrada cubría, que  producía el Re#.

El cuerpo, antes de una sola pieza, fue realizado en tres partes: cabeza, cuerpo y pie.

La flauta barroca empieza sus alturas en Re y tenía dos octavas. Otras notas podían tocarse intercalando dedos o tapando la mitad de los orificios, pero eran difíciles de tocar y de sonoridad opaca.

Alrededor de 1700, el cuerpo fue dividido en dos partes y pies extras, llamados cuerpos de recambio, lo que permitía al flautista adaptar su afinación de acuerdo a diferentes orquestas. De todas maneras, con las posiciones cruzadas, las flautas tenían mejor respuesta sonora en Re y Sol Mayor. Si bien había muchos flautistas, los flautistas profesionales lograron adaptarse a los cambios muy bien.

En 1722  se inventan las llaves de Do y Do#. El flautista y compositor J. Quantz critica mucho esta prolongación, que juzga inútil y nociva para la calidad del sonido.

En 1752, los Tratados de Quantz y Tromlitz (en 1786), ofrecen diferentes digitaciones para cada nota.

En 1760 los fabricantes  Florio, Gedney, y Potter agregan las llaves de Sol#, Sib y Fa.

Alrededor de 1790 aparecen flautas de 4 llaves en la música sinfónica de Haydn y Mozart.

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Tatiana Garnelo Morán 
1º HCS IES Bergidum Flavium

Capricho Italiano

Os muestro una canción que toco con el clarinete: Capricho Italiano de Tchaikovsky. Siempre que la escucho me alegra. Es una canción con una altura indefinida, pues es un instrumento y produce varias notas; predomina el sonido largo y la intensidad es más bien suave.

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Lucía Fernández, 6º Primaria, Colegio Bilingüe La Inmaculada, Ponferrada

Yembé

El sonido del yembé me gusta mucho. Yo lo escuché cuando llegaba de hacer un senderismo y me transmitió ánimo para llegar a la meta. El sonido puede ser fuerte o suave según como lo toques. El yembé es un instrumento de percusión. En este caso son un grupo de siete personas que hacen un ritmo dominante y varios secundarios. Se encontraban situados en la plaza del ayuntamiento de Ponferrada y allí mucha gente, como yo, se paraba a escucharlos.

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Marina Pérez, 6º Primaria, Colegio Biligüe La Inmaculada, Ponferrada

Una flauta casera

Cuando el curso pasado sugerí a mis alumnos de 1° de ESO algunas ideas y páginas en las que podían inspirarse para elaborar instrumentos, no imaginaba hasta qué punto el resultado iba a ser sorprendente.
Fueron muchos los instrumentos hechos con material reciclado o de desecho y algunos, de bella presencia, sonaban estupendamente.

Aprovecho para dejar aquí el enlace a una entrada de mi blog de aula donde podéis ver un montaje con las fotos de la exposición.

De entre ellos, me gustó particularmente esta flauta hecha con pvc y corcho, de siete agujeros, elaborada por el alumno Rodrigo López, este año en 2° B.

He interpretado cualquier cosa improvisada para que escuchéis el resultado sonoro. Creo que merece estar en éste nuestro blog.



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Sonido del Fagot

EL SONIDO DEL FAGOT
El fagot es un instrumento musical de tubo cónico perteneciente a la familia de viento-madera y provisto de lengüeta doble. Los instrumentos de la familia del fagot son el fagotino y el contrafagot, además de los instrumentos de la familia del oboe y del heckelfón, por ser estos también instrumentos de tubo cónico en los que el sonido se produce mediante una lengüeta doble. Ocasionalmente está considerado como el bajo de la familia del oboe. Su tesitura es de 3 octavas y media y se puede dividir en 4 registros: grave, medio, agudo y sobre agudo. El fagot tiene una altura de 156 cm. aproximadamente y una longitud total del taladro de 250 cm. El fagot debe su existencia a la necesidad musical de ampliar la región grave del sonido de los instrumentos de viento. Las partes principales son la campana que remata el instrumento, el cuerpo grave, la culata (es la parte inferior del instrumento y donde el tubo cambia de dirección por medio de un codo metálico), la pieza tudelera (donde se inserta el tudel), el tudel y la caña. El aire recorre desde la caña hacia el tudel, la tudelera, culata, cuerpo grave y campana. La caña del fagot está formada por una lengüeta doble. Se denomina así porque se trata de una pieza de caña (arundo donax) rebajada por el centro llamada "pala" y plegada por la mitad. Esta grabación fue echa el dia 6 de Mayo durante una clase de Fagot en el conservatorio.



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Ensayo de Castañuelas

Las castañuelas consisten en dos pedazos de madera especial que son en forma de platillo profundo, generalmente de castaño, aunque se han utilizado otras maderas y materiales en épocas más contemporáneas. Se perfora cada par para poner una cuerda ornamental, que se coloca alrededor del pulgar. Los tonos de los pares son distintos, generalmente; el más bajo se llama macho (varón) y el más alto hembra. El par que suena más alto normalmente se lleva en la mano derecha. Las conchas cuelgan hacia abajo y son manipuladas por los dedos. Cada instrumento está hecho a mano y conforme al tamaño de la mano de su usuario.

• El ritmo debe iniciarse con la mano derecha, cortando la última nota con el sonido de la castañuela izquierda; si eres zurda como en mi caso tendría que tocarse al revés. Para conseguir un buen ritmo es conveniente saber que el tañido de castañuelas se basa en las diversas combinaciones de cinco elementos independientes:
• CA-RRE-TI-LLA: Este elemento se emplea solo en la mano derecha. Intentando mover la muñeca lo menos posible, se empieza a tañer la CA-RRE-TI-LLA, que se compone de cuatro golpes: CA, con el dedo meñique; RRE, con el dedo anular; TI, con el dedo corazón; LLA, con el dedo índice.
• TAN: le le llama al golpe que debe dar la mano izquierda a continuación de CA-RRE-TI-LLA. Se da con los dedos anular y corazón simultáneos, sin que se note espacio de tiempo distinto entre los cuatro golpes de la CA-RRE-TI-LLA, y el golpe de TAN, aunque este último se da un poco más fuerte.
• TIN: Este sonido debe sonar después de la CA-RRE-TI-LLA-TAN. Se produce con los dedos anular y corazón de la mano derecha, simultáneamente.
• TIAN: Se le llama cuando el sonido TIN y el sonido TAN suenan juntos.
• POSTIAN: Este sonido consiste en el choque de las dos castañuelas. Para ello hay que llevar la mano derecha hacia la izquierda y entrechocar las dos castañuelas.

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Celia Lizcano Quintanar 1BachB IES Isabel Perillán y Quirós

Castañuelas

Este sonido de castañuelas que son un instrumento musical de percusión, de madera conocido por los turcos Lo primero que hay que comprobar es que, de las dos castañuelas, cada una tiene un sonido diferente. La castañuela aguda se coloca en la mano derecha y la grave en la mano izquierda (si no sabe diferenciar el sonido, se puede distinguir porque la castañuela derecha tiene una línea incorporada en la parte superior, donde se separan las castañuelas). Deben colocarse en los dedos pulgares de cada mano, primero el extremo que tiene el nudo y luego el otro. Es imprescindible que las castañuelas queden bien ajustadas a los dedos pulgares, pero sin apretar excesivamente la concha ya que si no las resonancias no se producirían.

Para poder manejar correctamente las castañuelas es muy importante colocar los dedos correctamente. La posición correcta es con las puntas de los dedos enfrentados y las palmas vueltas hacia el cuerpo.
La castañuela de la mano derecha se toca con los dedos: meñique y anular, corazón e índice. La castañuela de la mano izquierda hay que presionarla con los dedos corazón, anular y meñique al mismo tiempo.
El ritmo debe iniciarse con la mano derecha, cortando la última nota con el sonido de la castañuela izquierda.Para conseguir un buen ritmo es conveniente saber que el tañido de castañuelas se basa en las diversas combinaciones de cinco elementos independientes. Este sonido ha sido realizado por mi madre que lleva desde su infancia tocándolas.

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Nuria Muñoz Rubio 1º bach b IES Isabel Perillán y Quirós

Canción de saxofón alto - "Summertime"

La canción que toca el siguiente músico es summertime , George Gershwin para saxofón alto y piano. En este caso lo que se oye en el sonido es el sólo final y la última parte de la partitura. Se trata de un niño de 12 años ensayando para su concierto.

Summertime es un tema de gran popularidad, la cual es adquirida durante el estreno de Porgy y Bess.

A partir de este estreno fue adoptada y arreglada por gran cantidad de músicos de jazz.

Actualmente los números indican que se han registrado aproximadamente 32000 versiones diferentes del tema. Algo que realmente es sorprendente.

Francisco Galietero Amores
1º Bachillerato C
I.E.S Isabel Perillán y Quirós

A golpe de pedal...

Como veis mi elección ha sido el sonido del piano. La obra en sí que he decidido tocar es un clásico del Romanticismo, Chopin, en concreto el Vals Op 69 n 1. Como podéis apreciar no he podido terminarlo por la extensión del tiempo, ya que dura unos 5:00 min, así que he tenido que hacer un ´´mix´´ de todas sus partes.

Como sabéis la música es mi vida, todo lo que me rodea tiene que ver con ella. Este es el sonido que más me hace vibrar, cada una de las notas, acordes y ¨golpes de pedal¨. La inmensa satisfacción de conseguir hacer un simple compás bien después de horas de trabajo, conseguir la técnica necesaria para enfrentarme a retos que sé que hace meses no podría haber hecho  es lo que me hace continuar y poner cada día más interés por las cosas.

La calidad del sonido no es muy buena, pero en directo éste sería el resultado final del año junto con otras tantas obras. Ha sido un año duro, lleno de pruebas, sustos, incertidumbres y cambios en mi carrera musical, pero tener la satisfacción de haber podido salir adelante a pesar de todo y poder presentar el trabajo de fin de curso en un concierto ante un salón de actos me llena de felicidad. Es un honor poder tocar este piano, pues necesita muchas horas de trabajo detrás, antes de salir al escenario, porque no es un piano convencional, sus teclas pesan mucho y necesitas acostumbrarte poco a poco para conseguir la virtuosidad necesaria para cierto tipo de piezas.

Sin duda la música es mi vida, poder entrar en un conservatorio y que todo lo que escuches desde que entras por la puerta hasta que sales sea música es lo mejor que me ha pasado. Temas típicos de conversación como ¿qué sentimiento querría expresar Beethoven con esta sonata? O…mañana tengo examen y aun no se que enfoque darle a mi obra…. ¿me ayudas? O ¿puede un napolitano resolver a un V grado?, temas que fuera de ese espacio parecerían dignos de un idioma extraterrestre, tecnicismos que sólo dentro de esas paredes son entendidos. Sin ninguna duda la música es mi vida y el sonido que habito es mi música.

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La historia del piano.

-Uno de nuestros instrumentos favoritos, el piano, no ha sido siempre de la forma que lo conocemos ahora, sino que tiene una evolución y una interesante historia:

Su antecesor más antiguo es la cítara, originaria de África. Posteriormente apareció el monocordio con ligeras variaciones, y en el siguiente paso de esta evolución está el salterio. Todas estas se diferenciaban del piano de hoy en día en que sus cuerdas no son percutidas por martillos sino tocadas con las manos, o con plectros.
La idea de interponer algún tipo de mecanismo entre las cuerdas conforma uno de los últimos pasos en la evolución del piano. Entre estos instrumentos encontramos al clavicordio, en el cual las cuerdas se hacían vibrar mediante un pequeño clavo.
Bartolomeo Cristófori fue el creador del primer piano, al que se le dio nombre de Gravicembalo col forte e Piano, cuyo mecanismo en lugar de activar las cuerdas mediante un clavo, lo hacía una pieza de madera con forma de martillo cuya punta estaba recubierta de cuero. Ésto hacía que tuviese un sonido mas dulce y armonioso. Además, el mencionado martillo tenía un sistema de escape mediante el cual era posible variar el volumen y el tono dependiendo de la fuerza con que se pulsaran las teclas.

Su recorrido hasta llegar a ser el piano que conocemos actualmente fue largo, pero mereció la pena solo por escucharlo:

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Danae Braojos.

El mundo de la afinación.

¿Afinar es importante? Pues claro que lo es. Yo podría decir que es lo más importante que debe hacer un músico justo antes de salir a tocar. No todos lo hacen, no todos afinan sus instrumentos o, quizás, algunos no lo hacen como es debido. Está claro para todo músico que se precie que, al principio, dar afinado el instrumento no ha sido trabajo fácil. Sea el instrumento que sea, excepto el piano, no es trabajo fácil.

Pero, bueno, ¿qué es realmente afinar?, ¿cómo afina una orquesta?

Afinar según la RAE es "poner en tono justo los instrumentos musicales con arreglo a un diapasón o acordarlos bien unos con otros" y, realmente se basa en eso que estás pensando. Sí. Afinar se basa en poner de acuerdo unos instrumentos con otros para todos, al tocar simultáneamente, suenen correcta y armónicamente perfectos. La frecuencia que crean las ondas sonoras se miden en Hercios (Hz). En 1995 se llegó al acuerdo de que toda orquesta debía afinar a 440 Hz pero la mayoría lo hacen a 442. 

¿Cómo afina un orquesta? Si lo ves desde el público te parece algo un poco complicado y enrevesado pero, visto desde dentro es una de las cosas más "divertidas" que tiene la música. Aquí, entre nosotros, os cantaré que todas las orquestas salen afinadas al escenario, lo que hacen subidos ahí arriba de tocar sonidos "extraños" es puro paripé. Bueno, al grano. Una orquesta, cuando sube al escenario afina de una forma fácil:

Primero: el oboe da su nota "La" del registro medio mirando un aparatito que medirá sus ondas sonoras, el afinador.

Segundo: cuando el oboe esté correctamente afinado le pasará el "La" al concertino (el violín primero).

Tercero: cuando el violín haya cogido el la nota se la pasará a toda la sección de cuerdas y, a partir de esa nota, afinarán todas las demás cuerdas del instrumento.

Cuarto: cuando la sección de cuerda esté lista el oboe le pasa el "La" a toda la sección de viento madera.

Quinto: cuando viento madera ya está correctamente afinado el oboe será, también, el encargado de pasarle la nota a viento metal. Esta vez la nota ya no es "La", sino que será "Si".

Y listo. La orquesta está afinada. Ya puede comenzar el concierto.

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Cristina R.